ANALOG AFRICA Archives - Guerssen records https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/label/analog-africa-es/ psychedelia - progressive - folk - garage Wed, 16 Apr 2025 16:25:35 +0000 es hourly 1 https://wordpress.org/?v=6.8.3 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/wp-content/uploads/2022/04/cropped-isotip-32x32.png ANALOG AFRICA Archives - Guerssen records https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/label/analog-africa-es/ 32 32 Legend Of Funaná https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/legend-of-funana/ Sun, 18 Sep 2016 22:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/legend-of-funana/ En 1997, un hombre tranquilo y modesto de 59 años llamado Victor Tavares, más conocido como Bitori, entra a un estudio por primera vez para grabar una obra maestra que muchos caboverdianos consideran el mejor álbum jamás realizado de Funaná. La aventura musical de Bitori había comenzado mucho antes de ese momento. Corría el año 1954 cuando emprendió un viaje a través de los mares hasta la isla de Santo Tomé Príncipe. La esperanza del joven era regresar a Cabo Verde con un acordeón. Después de dos años de duro trabajo, Bitori logró ahorrar suficiente dinero para adquirir lo que se convertiría en su posesión más valiosa, su preciado instrumento. El viaje de dos meses de regreso a Santiago, su isla natal, resultó tiempo suficiente para dominarlo. Autodidacta, Bitori desarrolló su propio estilo, una llama contagiosa que rápidamente llamó la atención de la generación anterior. Al poco tiempo, le pidieron a Bitori que compartiera su talento musical, encendiendo las festividades locales alrededor de Praia con su música. Pero no todo el mundo acogió con agrado el sonido rural basado en el acordeón. La música funaná, percibida como un símbolo de la lucha por la independencia de Cabo Verde y mal vista como música de campesinos sin educación, fue prohibida por los gobernantes coloniales portugueses. Interpretarlo en público o en centros urbanos tuvo graves consecuencias, a menudo, a los músicos que fueron "sorprendidos con las manos en la masa" les esperaban penas de cárcel y torturas. Ante tal persecución el género funaná comenzó a desaparecer lentamente. En 1975 Cabo Verde logró la independencia del dominio colonial portugués. Junto con la independencia de Cabo Verde se levantó la prohibición impuesta a la música Funaná. Las repercusiones musicales en Cabo Verde fueron abundantes y muchos artistas emergentes adoptaron Funaná, traduciendo y adaptando su forma musical de nuevas maneras.Sin embargo, no fue hasta mediados de la década de 1990 que se registró realmente Funaná en su forma tradicional. Fue un joven cantaor de Tarafal, Chando Graciosa, quien tuvo un papel clave en este acontecimiento. Al escuchar a Bitori, Graciosa inmediatamente se sintió atraída por el estilo de interpretación único de Bitori, un sonido crudo y apasionado acompañado de letras honestas que reflejaban la dura realidad de la clase trabajadora de Cabo Verde. Se acercó con entusiasmo a Bitori sugiriéndole que unieran fuerzas y viajaran al extranjero con el objetivo de llevar a Funaná más allá de sus raíces rurales. Los dos, acompañados por otros, lograron su objetivo y viajaron a Europa, presentando a una receptiva audiencia europea la vibrante energía de Funaná. Finalmente Bitori regresó a su amado Cabo Verde. Graciosa optó por establecerse en Rotterdam para continuar su carrera; sin embargo, prometió traer a Bitori a Holanda en una fecha posterior para grabar un álbum. En 1997 llegó el momento de inmortalizar el sonido que Bitori había moldeado a lo largo de cuatro décadas. Construido alrededor de una formidable sección rítmica, formada por la baterista Grace Evora y el bajista Danilo Tavares, se grabó "Bitori Nha Bibinha". La grabación catapultó a Chando Graciosa al estrellato, convirtiéndolo en el intérprete número uno de Funaná en Cabo Verde. El éxito en Cabo Verde fue fenomenal y Funaná rápidamente obtuvo el reconocimiento que merecía, especialmente en los clubes de baile urbano. Las canciones de Bitori rápidamente se convirtieron en estándares clásicos conocidos y amados en todo el país. ¡El éxito musical, sin embargo, se limitó únicamente a las islas de Cabo Verde; hasta ahora!

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]]> En 1997, un hombre tranquilo y modesto de 59 años llamado Victor Tavares, más conocido como Bitori, entra a un estudio por primera vez para grabar una obra maestra que muchos caboverdianos consideran el mejor álbum jamás realizado de Funaná. La aventura musical de Bitori había comenzado mucho antes de ese momento. Corría el año 1954 cuando emprendió un viaje a través de los mares hasta la isla de Santo Tomé Príncipe. La esperanza del joven era regresar a Cabo Verde con un acordeón. Después de dos años de duro trabajo, Bitori logró ahorrar suficiente dinero para adquirir lo que se convertiría en su posesión más valiosa, su preciado instrumento. El viaje de dos meses de regreso a Santiago, su isla natal, resultó tiempo suficiente para dominarlo. Autodidacta, Bitori desarrolló su propio estilo, una llama contagiosa que rápidamente llamó la atención de la generación anterior. Al poco tiempo, le pidieron a Bitori que compartiera su talento musical, encendiendo las festividades locales alrededor de Praia con su música. Pero no todo el mundo acogió con agrado el sonido rural basado en el acordeón. La música funaná, percibida como un símbolo de la lucha por la independencia de Cabo Verde y mal vista como música de campesinos sin educación, fue prohibida por los gobernantes coloniales portugueses. Interpretarlo en público o en centros urbanos tuvo graves consecuencias, a menudo, a los músicos que fueron «sorprendidos con las manos en la masa» les esperaban penas de cárcel y torturas. Ante tal persecución el género funaná comenzó a desaparecer lentamente. En 1975 Cabo Verde logró la independencia del dominio colonial portugués. Junto con la independencia de Cabo Verde se levantó la prohibición impuesta a la música Funaná. Las repercusiones musicales en Cabo Verde fueron abundantes y muchos artistas emergentes adoptaron Funaná, traduciendo y adaptando su forma musical de nuevas maneras.Sin embargo, no fue hasta mediados de la década de 1990 que se registró realmente Funaná en su forma tradicional. Fue un joven cantaor de Tarafal, Chando Graciosa, quien tuvo un papel clave en este acontecimiento. Al escuchar a Bitori, Graciosa inmediatamente se sintió atraída por el estilo de interpretación único de Bitori, un sonido crudo y apasionado acompañado de letras honestas que reflejaban la dura realidad de la clase trabajadora de Cabo Verde. Se acercó con entusiasmo a Bitori sugiriéndole que unieran fuerzas y viajaran al extranjero con el objetivo de llevar a Funaná más allá de sus raíces rurales. Los dos, acompañados por otros, lograron su objetivo y viajaron a Europa, presentando a una receptiva audiencia europea la vibrante energía de Funaná. Finalmente Bitori regresó a su amado Cabo Verde. Graciosa optó por establecerse en Rotterdam para continuar su carrera; sin embargo, prometió traer a Bitori a Holanda en una fecha posterior para grabar un álbum. En 1997 llegó el momento de inmortalizar el sonido que Bitori había moldeado a lo largo de cuatro décadas. Construido alrededor de una formidable sección rítmica, formada por la baterista Grace Evora y el bajista Danilo Tavares, se grabó «Bitori Nha Bibinha». La grabación catapultó a Chando Graciosa al estrellato, convirtiéndolo en el intérprete número uno de Funaná en Cabo Verde. El éxito en Cabo Verde fue fenomenal y Funaná rápidamente obtuvo el reconocimiento que merecía, especialmente en los clubes de baile urbano. Las canciones de Bitori rápidamente se convirtieron en estándares clásicos conocidos y amados en todo el país. ¡El éxito musical, sin embargo, se limitó únicamente a las islas de Cabo Verde; hasta ahora!

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]]> Roi du Ziglibithy https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/roi-du-ziglibithy/ Thu, 15 Sep 2022 22:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/roi-du-ziglibithy/ La estrella de Ernesto Djédjé comenzó a ascender a finales de los años 60, cuando se convirtió en guitarrista y líder de Ivoiro Star, fundado por Amédée Pierre, estrella de Dopé, el estilo musical líder en ese momento. Preocupado por la "congolización" de la música de Costa de Marfil Ernesto abandonó el grupo y emigró a París en 1968 para grabar sus primeros sencillos arreglados por Manu Dibango e influenciados por Soul, Rhythm & Blues. Estas grabaciones reflejan la tendencia del momento dictada por dos corrientes musicales dentro de la escena marfileña: música tradicional, encarnada entre otros por Amédée Pierre por un lado y música importada de los Estados Unidos, Camerún y Zaire por el otro. Y mientras que la primera tendencia fue generalmente descuidada, la juventud abrazó completamente la segunda y como resultado bandas como " Les Black Devils", "Djinn-Music", "Bozambo", "Jimmy Hyacinthe", saltaron al estrellato de la noche a la mañana grabando principalmente música funk y disco.
Al regresar a Côte d'Ivoire en 1974, Ernesto comenzó a buscar músicos con ideas afines para formar los poderosos "Ziglibithiens". Diabo Steck (batería), Bamba Yang (teclados y guitarra), Léon Sina (Guitarra) y Assalé Best (chef d'orchestre y Saxofón) se convertirían en el núcleo del grupo y junto a Ernesto comenzaron a pensar en formas de combinar los ritmos y cantos del pueblo Bété y fusionarlos con Makossa, Funk y Disco y crear un estilo musical que era tanto marfileño como internacional. Llamó a su experimento Ziglibithy y sus dos primeros álbumes, inmortalizados en los estudios EMI en 1977 en Lagos y lanzados en el sello Badmos, tomaron por asalto África Occidental convirtiendo a Ernesto Djédjé en un icono de la noche a la mañana y una de las leyendas de la música africana.
Ernesto Djédjé murió en circunstancias misteriosas el 9 de junio de 1983, a la edad de 35 años, conmocionando a toda la nación marfileña.
Y aunque el final llegó abruptamente, no llegó lo suficientemente pronto, y Ernesto tuvo tiempo, en 5 álbumes, para cimentar su legado como uno de los artistas más innovadores que haya producido Costa de Marfil.
La canción Zighlibitiens, traída a Colombia por un mecánico aeronáutico a principios de la década de 1980, se convertiría en un gran éxito en la Costa Caribe, rebautizada como "El Tigre" por los operadores de los sound systems locales, esa canción en particular alcanzaría el estatus de leyenda en Barranquilla y Cartagena, incendiando incontables fiestas locales. Este se ha convertido en uno de los álbumes más cotizados de esa parte del mundo, y así, mientras Ziglibithy ha desaparecido en la mayoría de las ondas de su país natal, en el otro lado del Atlántico, su fuego sigue brillando.

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]]> La estrella de Ernesto Djédjé comenzó a ascender a finales de los años 60, cuando se convirtió en guitarrista y líder de Ivoiro Star, fundado por Amédée Pierre, estrella de Dopé, el estilo musical líder en ese momento. Preocupado por la «congolización» de la música de Costa de Marfil Ernesto abandonó el grupo y emigró a París en 1968 para grabar sus primeros sencillos arreglados por Manu Dibango e influenciados por Soul, Rhythm & Blues. Estas grabaciones reflejan la tendencia del momento dictada por dos corrientes musicales dentro de la escena marfileña: música tradicional, encarnada entre otros por Amédée Pierre por un lado y música importada de los Estados Unidos, Camerún y Zaire por el otro. Y mientras que la primera tendencia fue generalmente descuidada, la juventud abrazó completamente la segunda y como resultado bandas como » Les Black Devils», «Djinn-Music», «Bozambo», «Jimmy Hyacinthe», saltaron al estrellato de la noche a la mañana grabando principalmente música funk y disco.
Al regresar a Côte d’Ivoire en 1974, Ernesto comenzó a buscar músicos con ideas afines para formar los poderosos «Ziglibithiens». Diabo Steck (batería), Bamba Yang (teclados y guitarra), Léon Sina (Guitarra) y Assalé Best (chef d’orchestre y Saxofón) se convertirían en el núcleo del grupo y junto a Ernesto comenzaron a pensar en formas de combinar los ritmos y cantos del pueblo Bété y fusionarlos con Makossa, Funk y Disco y crear un estilo musical que era tanto marfileño como internacional. Llamó a su experimento Ziglibithy y sus dos primeros álbumes, inmortalizados en los estudios EMI en 1977 en Lagos y lanzados en el sello Badmos, tomaron por asalto África Occidental convirtiendo a Ernesto Djédjé en un icono de la noche a la mañana y una de las leyendas de la música africana.
Ernesto Djédjé murió en circunstancias misteriosas el 9 de junio de 1983, a la edad de 35 años, conmocionando a toda la nación marfileña.
Y aunque el final llegó abruptamente, no llegó lo suficientemente pronto, y Ernesto tuvo tiempo, en 5 álbumes, para cimentar su legado como uno de los artistas más innovadores que haya producido Costa de Marfil.
La canción Zighlibitiens, traída a Colombia por un mecánico aeronáutico a principios de la década de 1980, se convertiría en un gran éxito en la Costa Caribe, rebautizada como «El Tigre» por los operadores de los sound systems locales, esa canción en particular alcanzaría el estatus de leyenda en Barranquilla y Cartagena, incendiando incontables fiestas locales. Este se ha convertido en uno de los álbumes más cotizados de esa parte del mundo, y así, mientras Ziglibithy ha desaparecido en la mayoría de las ondas de su país natal, en el otro lado del Atlántico, su fuego sigue brillando.

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]]> Roi De L’Agbadja Moderne 1974-1983 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/roi-de-lagbadja-moderne-1974-1983/ Tue, 04 Feb 2025 23:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/roi-de-lagbadja-moderne-1974-1983/ "Mo Ngbadun Re" de Gnonnas Pedro es una canción escrita para rendir homenaje a los músicos nigerianos y beninese que cambiaría la trayectoria de Analog Africa para siempre.
Y aunque los artistas nigerianos eran más o menos familiares para Samy (el fundador del sello), cuando Gnonnas empezó a cantar sobre 'Picoby', 'Renova', 'Annasoua Jazz', 'Super Borgou', 'Super Star', 'El Rego', 'Black Santiago' y otras bandas de Benin de las que nunca había oído hablar, se sintió impulsado a averiguar más. La conclusión de esta experiencia musical fue que si una estrella como Gnonnas Pedro cantaba sobre estas bandas, solo podía significar que sabía algo que nosotros no sabíamos. ¿Podría ser que la República de Benin tuviera más que ofrecer de lo que su tamaño sugería? Solo había una manera de averiguarlo. Samy llegó a Cotonú en agosto de 2005 y así fue como una canción de Gnonnas Pedro trajo Analog Africa a Benin, y el resto es historia.
Si bien en el recopilatorio Legends of Benin de 2009 se incluyeron 4 canciones de este magnífico artista, esta vez Analog Africa tiene el enorme honor de presentar un proyecto completo y merecido sobre Gnonnas Pedro, el rey del Agbadja moderno. Muy temprano en su carrera, nuestro amigo había conseguido su primer éxito con una canción llamada 'Dadje Von O Von Non'. Era un Agbadja, un ritmo ancestral tocado durante las ceremonias funerarias en Le Mono, la región de donde provenía la familia de Gnonnas Pedro. Gnonnas lo adaptó, modernizó y acuñó el nombre de 'Agbadja Modern' y así fue como se lo conoció y se lo amó como 'Roi de l'Agbadja Moderne'.
Casi una década después, a mediados de los 70, Gnonnas firmó un contrato con African Songs Ltd y más tarde con Take Your Choice (TYC), dos sellos de Nigeria. En ese momento, Gnonnas llevaba una década grabando y actuando y, aunque algunos de los miembros originales de la banda se habían ido, la mayoría de los músicos se habían quedado con él. La composición relativamente constante de "Les Dadjes" significó que se habían convertido en una máquina de ritmos bien engrasada cuando comenzaron los "años nigerianos". Las diversas obras maestras que la banda grabó entre 1975 y 1980 en Lagos catapultaron a Gnonnas Pedro al estrellato en su hogar en Benín, pero también lo hicieron famoso en otros países de África occidental, donde sus canciones se transmitían regularmente en las ondas nacionales. A veces llamados "La banda que habla todos los idiomas africanos" por su capacidad para interpretar canciones en numerosos idiomas, "Les Dadjes" también hablaban todo tipo de ritmos, con un énfasis especial en los ritmos cubanos y benineses.
Alrededor de 1980, Gnonnas cumplió el sueño de toda su vida de fundar su propio sello y uno de los primeros álbumes del recién fundado sello Gnoinsopé incluía la canción "Yiri Yiri Boum", que arrasó en Benín y consolidó a Gnonnas como uno de los artistas más importantes del país.
El LP doble "Roi De L'Agbadja Moderne 1974-1983" de Analog Africa viene en formato gatefold con un libreto de 8 páginas a todo color que incluye fotos. También con 16 de las mejores canciones de Gnonnas que resonaron en todo el continente africano, la mezcla única de agbadja, fon cubano, jerk, highlife y otros ritmos africanos cantados en fon, mina, yoruba, francés, inglés e incluso español ofrece un viaje musical verdaderamente único.

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]]> «Mo Ngbadun Re» de Gnonnas Pedro es una canción escrita para rendir homenaje a los músicos nigerianos y beninese que cambiaría la trayectoria de Analog Africa para siempre.
Y aunque los artistas nigerianos eran más o menos familiares para Samy (el fundador del sello), cuando Gnonnas empezó a cantar sobre ‘Picoby’, ‘Renova’, ‘Annasoua Jazz’, ‘Super Borgou’, ‘Super Star’, ‘El Rego’, ‘Black Santiago’ y otras bandas de Benin de las que nunca había oído hablar, se sintió impulsado a averiguar más. La conclusión de esta experiencia musical fue que si una estrella como Gnonnas Pedro cantaba sobre estas bandas, solo podía significar que sabía algo que nosotros no sabíamos. ¿Podría ser que la República de Benin tuviera más que ofrecer de lo que su tamaño sugería? Solo había una manera de averiguarlo. Samy llegó a Cotonú en agosto de 2005 y así fue como una canción de Gnonnas Pedro trajo Analog Africa a Benin, y el resto es historia.
Si bien en el recopilatorio Legends of Benin de 2009 se incluyeron 4 canciones de este magnífico artista, esta vez Analog Africa tiene el enorme honor de presentar un proyecto completo y merecido sobre Gnonnas Pedro, el rey del Agbadja moderno. Muy temprano en su carrera, nuestro amigo había conseguido su primer éxito con una canción llamada ‘Dadje Von O Von Non’. Era un Agbadja, un ritmo ancestral tocado durante las ceremonias funerarias en Le Mono, la región de donde provenía la familia de Gnonnas Pedro. Gnonnas lo adaptó, modernizó y acuñó el nombre de ‘Agbadja Modern’ y así fue como se lo conoció y se lo amó como ‘Roi de l’Agbadja Moderne’.
Casi una década después, a mediados de los 70, Gnonnas firmó un contrato con African Songs Ltd y más tarde con Take Your Choice (TYC), dos sellos de Nigeria. En ese momento, Gnonnas llevaba una década grabando y actuando y, aunque algunos de los miembros originales de la banda se habían ido, la mayoría de los músicos se habían quedado con él. La composición relativamente constante de «Les Dadjes» significó que se habían convertido en una máquina de ritmos bien engrasada cuando comenzaron los «años nigerianos». Las diversas obras maestras que la banda grabó entre 1975 y 1980 en Lagos catapultaron a Gnonnas Pedro al estrellato en su hogar en Benín, pero también lo hicieron famoso en otros países de África occidental, donde sus canciones se transmitían regularmente en las ondas nacionales. A veces llamados «La banda que habla todos los idiomas africanos» por su capacidad para interpretar canciones en numerosos idiomas, «Les Dadjes» también hablaban todo tipo de ritmos, con un énfasis especial en los ritmos cubanos y benineses.
Alrededor de 1980, Gnonnas cumplió el sueño de toda su vida de fundar su propio sello y uno de los primeros álbumes del recién fundado sello Gnoinsopé incluía la canción «Yiri Yiri Boum», que arrasó en Benín y consolidó a Gnonnas como uno de los artistas más importantes del país.
El LP doble «Roi De L’Agbadja Moderne 1974-1983» de Analog Africa viene en formato gatefold con un libreto de 8 páginas a todo color que incluye fotos. También con 16 de las mejores canciones de Gnonnas que resonaron en todo el continente africano, la mezcla única de agbadja, fon cubano, jerk, highlife y otros ritmos africanos cantados en fon, mina, yoruba, francés, inglés e incluso español ofrece un viaje musical verdaderamente único.

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]]> Take One (1974-1979) https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/take-one-1974-1979/ Tue, 14 Jan 2025 23:00:00 +0000 http://guerssen.hl1097.dinaserver.com/product/take-one-1974-1979/ En 1972, el país de Rhodesia, como se conocía entonces a Zimbabue, se encontraba en medio de una larga lucha por la independencia del dominio colonial británico. En los hoteles y clubes nocturnos de la capital, las bandas podían ganarse la vida tocando una mezcla de Afro-Rock, Cha-Cha-Cha y Rumba congoleña. Pero a medida que el deseo de independencia se hizo más fuerte, varios músicos de Zimbabue comenzaron a buscar inspiración en su propia cultura. Comenzaron a emular el sonido entrecortado y las melodías en bucle de la mbira (piano de pulgar) en sus guitarras eléctricas, y a replicar los ritmos insistentes de la coctelera en el hi-hat; también comenzaron a cantar en el idioma shona y a agregar mensajes abiertamente políticos a sus letras (con la certeza de que el gobierno de la minoría predominantemente blanca no los entendería). De esta colisión de instrumentos eléctricos y tradiciones indígenas, nació un nuevo estilo de música popular de Zimbabue, más tarde conocido como Chimurenga, de la palabra shona para "lucha". Y había pocas bandas más esenciales para el desarrollo de esta música que Hallelujah Chicken Run Band.

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]]> En 1972, el país de Rhodesia, como se conocía entonces a Zimbabue, se encontraba en medio de una larga lucha por la independencia del dominio colonial británico. En los hoteles y clubes nocturnos de la capital, las bandas podían ganarse la vida tocando una mezcla de Afro-Rock, Cha-Cha-Cha y Rumba congoleña. Pero a medida que el deseo de independencia se hizo más fuerte, varios músicos de Zimbabue comenzaron a buscar inspiración en su propia cultura. Comenzaron a emular el sonido entrecortado y las melodías en bucle de la mbira (piano de pulgar) en sus guitarras eléctricas, y a replicar los ritmos insistentes de la coctelera en el hi-hat; también comenzaron a cantar en el idioma shona y a agregar mensajes abiertamente políticos a sus letras (con la certeza de que el gobierno de la minoría predominantemente blanca no los entendería). De esta colisión de instrumentos eléctricos y tradiciones indígenas, nació un nuevo estilo de música popular de Zimbabue, más tarde conocido como Chimurenga, de la palabra shona para «lucha». Y había pocas bandas más esenciales para el desarrollo de esta música que Hallelujah Chicken Run Band.

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]]> Leon Keita https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/leon-keita/ Tue, 14 Jan 2025 23:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/leon-keita/ Figura destacada de la escena musical maliense, Leon Keïta nació en Conakry, en la costa atlántica de Guinea, en 1947. Tras finalizar sus estudios, se trasladó a la capital maliense, donde, además de fundar la Piano Jazz Orchestra, trabajó como docente, organizador de festivales culturales y contador de la Empresa Nacional de Tabacos y Fósforos. Durante este tiempo también escribió informes para el presidente de Malí, Modibo Keita, y al final de las reuniones a veces entretenía a los delegados con una canción o dos.
En 1970, junto con su amigo cercano Manfila Keita, León ayudó a fundar la la legendaria Rail-Band, que se convirtió en un célebre pilar de la vida nocturna de Bamako y lanzó las carreras internacionales de Salif Keita, Mory Kanté y muchos otros. El propio León se unió a Les Ambassadeurs Internationaux, con quienes realizó giras por África Occidental, antes de partir para trabajar en sus propias composiciones.
Cuando León estaba listo para visitar el estudio de grabación, invitó a sus amigos de Les Ambassadeurs Internationaux a servir como su banda de acompañamiento; La colaboración dio como resultado dos discos, ambos lanzados en 1978 con el sello Papa Disco. Un año después León lanzó "Rythmes et Mélodies du Mali", coescrito con su hermano Germain y respaldado por la magnífica Orquesta Black Santiago; Con la contagiosa trompeta del líder de la banda Ignace de Souza, el LP fue grabado en Benin en el Satel Studio en Cotonou.
Aunque Leon no hizo muchas grabaciones en solitario, sus canciones continúan inspirando la reverencia de cualquiera que tenga la suerte de tenerlas. En los últimos años, la canción "Dalaka" fue redescubierta por el operador del sistema de sonido de Barranquilla, Carlos Estrada, y se convirtió en un éxito inesperado en la costa caribeña de Colombia.
Doce años después del lanzamiento de la compilación Bambara Mystic Soul, aclamada por la crítica, esta nueva compilación profundiza otra vez en la cultura mandingua con cinco raras canciones grabadas durante las legendarias sesiones de Leon Keïta de finales de los 70. El LP, impreso en vinilo virgen de 180 g y alojado en una hermosa cubierta serigrafiada en Grecia, está limitado a 2000 copias en todo el mundo.

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]]> Figura destacada de la escena musical maliense, Leon Keïta nació en Conakry, en la costa atlántica de Guinea, en 1947. Tras finalizar sus estudios, se trasladó a la capital maliense, donde, además de fundar la Piano Jazz Orchestra, trabajó como docente, organizador de festivales culturales y contador de la Empresa Nacional de Tabacos y Fósforos. Durante este tiempo también escribió informes para el presidente de Malí, Modibo Keita, y al final de las reuniones a veces entretenía a los delegados con una canción o dos.
En 1970, junto con su amigo cercano Manfila Keita, León ayudó a fundar la la legendaria Rail-Band, que se convirtió en un célebre pilar de la vida nocturna de Bamako y lanzó las carreras internacionales de Salif Keita, Mory Kanté y muchos otros. El propio León se unió a Les Ambassadeurs Internationaux, con quienes realizó giras por África Occidental, antes de partir para trabajar en sus propias composiciones.
Cuando León estaba listo para visitar el estudio de grabación, invitó a sus amigos de Les Ambassadeurs Internationaux a servir como su banda de acompañamiento; La colaboración dio como resultado dos discos, ambos lanzados en 1978 con el sello Papa Disco. Un año después León lanzó «Rythmes et Mélodies du Mali», coescrito con su hermano Germain y respaldado por la magnífica Orquesta Black Santiago; Con la contagiosa trompeta del líder de la banda Ignace de Souza, el LP fue grabado en Benin en el Satel Studio en Cotonou.
Aunque Leon no hizo muchas grabaciones en solitario, sus canciones continúan inspirando la reverencia de cualquiera que tenga la suerte de tenerlas. En los últimos años, la canción «Dalaka» fue redescubierta por el operador del sistema de sonido de Barranquilla, Carlos Estrada, y se convirtió en un éxito inesperado en la costa caribeña de Colombia.
Doce años después del lanzamiento de la compilación Bambara Mystic Soul, aclamada por la crítica, esta nueva compilación profundiza otra vez en la cultura mandingua con cinco raras canciones grabadas durante las legendarias sesiones de Leon Keïta de finales de los 70. El LP, impreso en vinilo virgen de 180 g y alojado en una hermosa cubierta serigrafiada en Grecia, está limitado a 2000 copias en todo el mundo.

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]]> Ary Lobo 1958-1966 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/ary-lobo-1958-1966/ Mon, 23 Aug 2021 22:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/ary-lobo-1958-1966/ The post Ary Lobo 1958-1966 appeared first on Guerssen records.

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]]> Siriá https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/siria/ Tue, 18 Feb 2025 23:00:00 +0000 http://guerssen.hl1097.dinaserver.com/product/siria/ Cametá, histórico pueblito amazónico a orillas del río Tocantins, es cuna de la música abrasadora conocida como 'Siriá'; una polinización cruzada entre la música de los habitantes de los quilombos, un asentamiento del interior brasileño fundado por esclavos fugitivos de origen africano, y los pueblos indígenas de la selva amazónica. Es un ritmo vibrante, palpitante y enfático, y la versión modernizada de esta música local, creada por Mestre Cupijó, ha encendido fiestas callejeras y festivales tradicionales en todo el estado de Pará, en el norte de Brasil, durante décadas. ¡Y por fin en 2014, el incombustible sonido de Siriá será celebrado internacionalmente como el sonido febril y tropical del verano!

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]]> Cametá, histórico pueblito amazónico a orillas del río Tocantins, es cuna de la música abrasadora conocida como ‘Siriá’; una polinización cruzada entre la música de los habitantes de los quilombos, un asentamiento del interior brasileño fundado por esclavos fugitivos de origen africano, y los pueblos indígenas de la selva amazónica. Es un ritmo vibrante, palpitante y enfático, y la versión modernizada de esta música local, creada por Mestre Cupijó, ha encendido fiestas callejeras y festivales tradicionales en todo el estado de Pará, en el norte de Brasil, durante décadas. ¡Y por fin en 2014, el incombustible sonido de Siriá será celebrado internacionalmente como el sonido febril y tropical del verano!

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]]> The Movers Vol 1 – 1970-1976 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/the-movers-vol-1-1970-1976/ Tue, 14 Jan 2025 23:00:00 +0000 http://guerssen.hl1097.dinaserver.com/product/the-movers-vol-1-1970-1976/ La historia de The Movers comenzó en 1967 cuando dos músicos desconocidos, los hermanos Norman y Oupa Hlongwane, se acercaron a Kenneth Siphayi, un elegante y rico hombre de negocios del municipio de Alexandra, para preguntarle si podía comprarles instrumentos musicales. A cambio, recibiría una parte de futuros conciertos y acuerdos discográficos. Kenneth terminó haciendo mucho más, convirtiéndose en su manager, instalándolos en un espacio de ensayo y presentándoles a un organista que demostraría ser el eslabón perdido en el sonido esquelético de la banda. También les dio su nombre: The Movers... porque, como él dijo, su música te iba a conmover, te gustara o no.

 

La banda irrumpió en la escena musical racialmente segregada del país en el los albores de los años 70 con un sonido que aplicaba los ondulantes ritmos de órgano y los ritmos elásticos del soul americano a canciones que venían directamente del corazón de los townships. Los rumores de la banda comenzaron a extenderse por todo el país y pronto los sellos discográficos enviaron a sus buscadores de talentos al municipio de Alexandra para escucharlos por sí mismos.

 

The Movers finalmente firmó con Teal Records en 1969, y su primer álbum , Crying Guitar, vendió 500.000 copias en los primeros tres meses, lanzándolos al frente de las bandas sudafricanas. En su primer año, pasaron de ser sensaciones locales a ser la primera banda de sudafricanos negros en transmitir su música a las estaciones de radio blancas del país.

 

Aunque el primer disco fue completamente instrumental, The Movers comenzó a trabajar con diferentes cantantes poco después, logrando un éxito temprano con el prodigio vocal de 14 años Blondie Makhene, y enriquecieron su paleta sonora con trompetas, percusión adicional y varios teclados. Su gama estilística también se expandió, incorporando elementos de Marabi, Mbaqanga, jazz, funk y reggae en su sonido lleno de alma. Pero la esencia de su música vino de la conexión casi telepática de sus miembros fundadores: el órgano a fuego lento de Sankie Chounyane, las líneas de guitarra relajadas de Oupa Hlongwane, los ritmos de bajo enérgicos de Norman Hlongwane y los ritmos a fuego lento del baterista de Sam Thabo.

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]]> La historia de The Movers comenzó en 1967 cuando dos músicos desconocidos, los hermanos Norman y Oupa Hlongwane, se acercaron a Kenneth Siphayi, un elegante y rico hombre de negocios del municipio de Alexandra, para preguntarle si podía comprarles instrumentos musicales. A cambio, recibiría una parte de futuros conciertos y acuerdos discográficos. Kenneth terminó haciendo mucho más, convirtiéndose en su manager, instalándolos en un espacio de ensayo y presentándoles a un organista que demostraría ser el eslabón perdido en el sonido esquelético de la banda. También les dio su nombre: The Movers… porque, como él dijo, su música te iba a conmover, te gustara o no.

La banda irrumpió en la escena musical racialmente segregada del país en el los albores de los años 70 con un sonido que aplicaba los ondulantes ritmos de órgano y los ritmos elásticos del soul americano a canciones que venían directamente del corazón de los townships. Los rumores de la banda comenzaron a extenderse por todo el país y pronto los sellos discográficos enviaron a sus buscadores de talentos al municipio de Alexandra para escucharlos por sí mismos.

The Movers finalmente firmó con Teal Records en 1969, y su primer álbum , Crying Guitar, vendió 500.000 copias en los primeros tres meses, lanzándolos al frente de las bandas sudafricanas. En su primer año, pasaron de ser sensaciones locales a ser la primera banda de sudafricanos negros en transmitir su música a las estaciones de radio blancas del país.

Aunque el primer disco fue completamente instrumental, The Movers comenzó a trabajar con diferentes cantantes poco después, logrando un éxito temprano con el prodigio vocal de 14 años Blondie Makhene, y enriquecieron su paleta sonora con trompetas, percusión adicional y varios teclados. Su gama estilística también se expandió, incorporando elementos de Marabi, Mbaqanga, jazz, funk y reggae en su sonido lleno de alma. Pero la esencia de su música vino de la conexión casi telepática de sus miembros fundadores: el órgano a fuego lento de Sankie Chounyane, las líneas de guitarra relajadas de Oupa Hlongwane, los ritmos de bajo enérgicos de Norman Hlongwane y los ritmos a fuego lento del baterista de Sam Thabo.

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]]> Orchestre Massako (Limited Dance Edition) https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/orchestre-massako-limited-dance-edition/ Mon, 27 Jun 2022 22:00:00 +0000 https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/product/orchestre-massako-limited-dance-edition/ Adepto a los ritmos folclóricos, la carrera de Mack-Joss como músico comenzó cuando solo tenía 17 años y rápidamente se estableció como un elemento básico de la vida nocturna de Libreville, cantando en varias bandas locales. En 1966 había lanzado "Le Boucher", su primer éxito que barrió las ondas africanas y le valió el respeto de Franco, el legendario maestro de la rumba congoleña. El aliento de Franco ayudó a transformarlo de un cantante gabonés a una figura ascendente de la cultura panafricana.

 

Entre 1968 y 1970 Mack-Joss y su Negro-Tropical inmortalizaron un buen número de sencillos grabados en un improvisado open (estudios de grabación al aire libre) y en 1971 las fuerzas armadas de Gabón decidieron formar su propia banda. Mack-Joss fue reclutado para convertirse en el líder de la banda y este fue el nacimiento de Orchestre Massako, que se convirtió en la orquesta nacional de Gabón.

 

A fines de la década de 1970, se pusieron a disposición fondos para traer equipos de grabación desde Francia. Studio Mobile Massako nació y la capacidad de composición de canciones de Mack-Joss proporcionó éxito tras éxito. Las cintas maestras con las grabaciones se enviaban a París para su mezcla y Mack-Joss hacía personalmente el viaje a Francia, llevando las bobinas en su equipaje de mano. Luego, los discos de vinilo se prensaron en Francia y se enviaron de regreso a Gabón y a otros distribuidores en todo el continente. Alrededor de una docena de discos de larga duración se grabaron entre 1978 y 1986 y la mayoría se publicaron en Mass Pro, el sello propio de Mack-Joss. Algunas de estas grabaciones presentaban a un cantante de Guinée Conakry llamado Amara Touré, que se había unido a la Orquesta Massako como cantante en 1980 y se había convertido en un ingrediente importante del éxito de la banda. Su particular voz, imposible de no reconocer, no dejó a nadie indiferente.

 

La retirada de Mack-Joss en 1996 marcó el final de la Orquesta Massako. Con una carrera de cuatro décadas, su contribución a la cultura gabonesa no puede subestimarse y continúa inspirando el respeto y la devoción de las personas que lo conocieron.

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]]> Adepto a los ritmos folclóricos, la carrera de Mack-Joss como músico comenzó cuando solo tenía 17 años y rápidamente se estableció como un elemento básico de la vida nocturna de Libreville, cantando en varias bandas locales. En 1966 había lanzado «Le Boucher», su primer éxito que barrió las ondas africanas y le valió el respeto de Franco, el legendario maestro de la rumba congoleña. El aliento de Franco ayudó a transformarlo de un cantante gabonés a una figura ascendente de la cultura panafricana.

Entre 1968 y 1970 Mack-Joss y su Negro-Tropical inmortalizaron un buen número de sencillos grabados en un improvisado open (estudios de grabación al aire libre) y en 1971 las fuerzas armadas de Gabón decidieron formar su propia banda. Mack-Joss fue reclutado para convertirse en el líder de la banda y este fue el nacimiento de Orchestre Massako, que se convirtió en la orquesta nacional de Gabón.

A fines de la década de 1970, se pusieron a disposición fondos para traer equipos de grabación desde Francia. Studio Mobile Massako nació y la capacidad de composición de canciones de Mack-Joss proporcionó éxito tras éxito. Las cintas maestras con las grabaciones se enviaban a París para su mezcla y Mack-Joss hacía personalmente el viaje a Francia, llevando las bobinas en su equipaje de mano. Luego, los discos de vinilo se prensaron en Francia y se enviaron de regreso a Gabón y a otros distribuidores en todo el continente. Alrededor de una docena de discos de larga duración se grabaron entre 1978 y 1986 y la mayoría se publicaron en Mass Pro, el sello propio de Mack-Joss. Algunas de estas grabaciones presentaban a un cantante de Guinée Conakry llamado Amara Touré, que se había unido a la Orquesta Massako como cantante en 1980 y se había convertido en un ingrediente importante del éxito de la banda. Su particular voz, imposible de no reconocer, no dejó a nadie indiferente.

La retirada de Mack-Joss en 1996 marcó el final de la Orquesta Massako. Con una carrera de cuatro décadas, su contribución a la cultura gabonesa no puede subestimarse y continúa inspirando el respeto y la devoción de las personas que lo conocieron.

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]]> Buli Povo https://wpguerssen-test.odoo.rgbconsulting.com/es/producto/buli-povo/ Thu, 22 Jul 2021 22:00:00 +0000 http://guerssen.hl1097.dinaserver.com/product/buli-povo/ Fue António Sanches quien grabó "Buli Povo!", la grabación de funaná más extraña y, sin embargo, más fascinante. Grabado en Lisboa con la legendaria Voz de Cabo Verde en 1983, el álbum es un viaje empapado de sintetizadores a los límites exteriores de la música popular caboverdiana, que ha permanecido fuera del radar musical hasta ahora. Fue solo en los últimos años, a medida que el interés por la música caboverdiana antigua comenzó a crecer, que comenzaron a circular rumores sobre la extraña brillantez de su viaje impulsado por sintetizadores al corazón de funaná.

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]]> Fue António Sanches quien grabó «Buli Povo!», la grabación de funaná más extraña y, sin embargo, más fascinante. Grabado en Lisboa con la legendaria Voz de Cabo Verde en 1983, el álbum es un viaje empapado de sintetizadores a los límites exteriores de la música popular caboverdiana, que ha permanecido fuera del radar musical hasta ahora. Fue solo en los últimos años, a medida que el interés por la música caboverdiana antigua comenzó a crecer, que comenzaron a circular rumores sobre la extraña brillantez de su viaje impulsado por sintetizadores al corazón de funaná.

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